7位改變世界的英美唱片設計師(下)

Peter Saville

過去30年最重要的唱片設計師.搖滾宇宙的永恆座標

雖然我想把Peter Saville描述成一位擁有無盡才華的藝術家,但他很可能不是。雖然如果票選過去30年最重要的唱片設計師,也許他會排在第一,但他大部分的經典作品卻非獨力完成。雖然他的地位和客戶名單亮出來,可能會讓你認定他日日都過著山珍海味的奢華生活,但他卻幾乎完全破產兩次,並且曾經積欠高額的稅款。

Peter Saville成長於英格蘭北部工業大城曼徹斯特,1978年在Patti Smith演唱會遇上Tony Wilson,一同創立了名流青史的音樂廠牌Factory,並且擔任品牌藝術指導。在設計美學上,將20世紀早期德國設計師Jan Tschichold所提倡的簡約、冷靜的「新字體」(Die neue Typographie)精神導入,與70年代龐克狂爆粗糙的風格相異其趣,映照出即將到來的後龐克時代。從1979年Joy Division震古鑠今的專輯《Unkwon Pleasures》,到80年代後New Order、OMD等樂團的封面設計,Peter Saville在這段創作黃金期大膽挪用現成圖像語彙,和之前的Andy Warhol一樣,成就他們的不是高深功力或技術,而是對時代無可比擬的嗅覺和觀察力。

然而與Warhol不同的是,大部分的時候Peter Saville似乎和錢非常沒有緣份。或許是被早期無拘無束的設計空間寵壞,或者是被自己拖稿到惡名昭彰的完美主義牽累,Peter Saville整個90年代過著游牧般居無定所的生活,少有地方可以讓他停留超過兩年,擱淺於藝術和設計間的灰色地帶,對整個商業體系和設計本身徹底幻滅。一直要到90年代後期,Suede、Pulp這些受到他早期作品感召的當紅樂團找他合作,並且迎向了電腦影像軟體帶來的新刺激後,他才終於有了復甦跡象。

儘管他早已承認自己並不特別,只是在對的時間站到了對的位置,甚至當時根本不知道自己在做什麼,但那些80年代的作品確確實實變成了搖滾宇宙中永恆的座標,不只被代代仰望,還被形容為「太空深處火葬場的地契」。而如今靠著這一張張地契,他在接近50歲時被指定為曼徹斯特城的官方藝術指導,去年更成了英格蘭足球國家代表隊新制服的設計師。只不過對於喜愛他的人來說,依然無法明白這一切究竟是好是壞,唯一能確定的還是只有Peter Saville身上那時時存在不一致、難以說明的矛盾,就像他那頭永遠烏黑凌亂的長髮以及那身霹靂雪白的長褲。

圖片來源=Joy Divison

Joy Division:Unkwon Pleasures(1979)
Joy Division第一張專輯上如聲波般起伏晃動的白色線條,其實來自劍橋天文百科中人類發現第一顆脈衝星CP 1919的訊號,由鼓手Stephen Morris建議使用。整張黑底的專輯前後都沒有任何其他資訊,但那來自幾萬光年外層層疊疊的波長,卻跳脫出搖滾樂的範疇,成為未來無數世代對青春的集體記憶。

圖片來源=OMD

Orchestral Manoeuvres In The Dark: Dazzle Ships(1983)
來自港都Liverpool流行電子樂團OMD的第四張專輯,封面和封底上柵欄般斜插相間的色塊靈感,是從英國未來派畫家Edward Wadsworth 1919年畫作裡停泊在Liverpool碼頭船隻的迷彩線條而來。這種本意不在隱身而是利用對立配色刻意擾亂視覺的軍用迷彩,僅僅靠一個簡單的轉化,就在封套上就達成了醒目強烈的視覺效果。

圖片來源=New Order

New Order: Power, Corruption & Lies(1983)
同年隨後發行的專輯《Power, Corruption & Lies》和《Blue Monday》一樣,專輯上沒有任何文字,僅以色塊作為暗碼,將一切資訊隱藏其中,必須利用放置在封底的解碼器才能破解。封面典雅的玫瑰花,借用法國19世紀畫家Henri Fantin-Latour的畫作,製造出古典浪漫與摩登條碼並呈的衝突效果。

圖片來源=New Order

New Order: Blue Monday(1983)
New Order的12吋單曲〈Blue Monday〉使用刀模技術(Die Cut)將唱片封套挖空,試圖模仿剛問世的電腦軟碟片形式。但據說因為成本太高,每賣一張都會賠上幾分英磅,而好笑的是偏偏這張作品居然成了英國史上最暢銷的12吋單曲!於是Factory情急之下只好緊急將加工改為一般處理,才避免了大賠的命運。

圖片來源=Pulp

Pulp: This is Hardcore(1998)
1998年時Saville接到Pulp的邀請希望他擔任新專輯設計的藝術指導,並且要與擅長繪製誇張女性胴體的美國藝術家John Currin一同合作。拍攝工作在Saville當時工作與生活的「Apartment」進行,Currin想要在暗示色情片的同時呈現出時尚的高級質感,而Saville則請配合的Studio Parris Wakefield利用電腦軟體,替照片加上如同繪圖的筆觸,模糊想像和現實的界線。
 

Vaughan Oliver

4AD神祕美學實踐者.如大衛林區電影般的闇黑詩意

類似Peter Saville和Factory的關係,Vaughan Oliver和攝影師Nigel Grierson於1983年創立的23 Envelope工作室,幾乎替獨立廠牌4AD設計了每一張專輯的封面。1988年拆夥後,他以v23名義跟不同創作者合作,持續製作曖昧、神祕同時美麗到令人心碎的作品。

在某種基本概念上,他是Hipgonsis的繼承者,除了兩者都以攝影作品為主元素外,也特別強調設計和音樂內容物之間的關連性,希望能提供給聽者氣氛上開放、含糊的暗示。Vaughan Oliver自稱在大學時對字體非常無感並且沒有耐心,直到經過慢慢實驗後,發展出將古典端正的襯線(Serif)字母,搭上優雅草寫體(Script)的風格,乍看之下雖然沒有任何章法,甚至有點壞品味,但卻與那些情緒濃烈的照片以及混亂的線條,結合出深層的詩意美感,如同Andrei Tarvosky或David Lynch的電影,會慢慢形成一股黑洞般的巨大力量,將人們吞沒其中。

圖片來源=Cocteau Twin

Cocteau Twin: Head Over Heels(1983)
以空靈演唱風格對王菲產生深遠影響的蘇格蘭樂團Cocteau Twins,是Vaughan Oliver在23 Envelope時期最具代表性的合作對象。這張《Head Over Heels》(收錄EP《Sunburst and Snowblind》的版本),比早期Cocteau Twins其他封面要來得夢幻明亮許多,夾藏在冰塊和液態氣泡裡的鮮紅花瓣暈染了大半畫面,流露出沉溺並且無法捉摸的距離感。

圖片來源=Pixies

Pixies: Doolittle(1989)
來自美國波士頓的樂團Pixies,影響了整個90年代包括Nirvana在內的大部分獨立樂團。Vaughan Oliver與當時剛從學校畢業的攝影師Simon Larbalestier合作的Doolittle,是一次音樂內容與設計密切相關的最好示範,因為在製作過程中就已經事先知道歌詞,於是Larbalestier搭設精細並且讓人毛骨悚然的場景,替每首歌都各自拍攝了專屬於自己的獨特影像,讓樂迷可以對歌曲內容做出自由聯想。
 

Mark Farrow

將Pet Shop Boys與Spiritualized的音樂具象化.徹底解放CD形式

出生英國曼徹斯特的Mark Farrow最早喜歡的並不是設計或藝術,而是和大多數70年代末成長在當地的年輕人一樣──全心全意瘋狂於音樂。由於在小唱片行打工,Mark Farrow 19歲時開始有機會替引領英國音樂風潮的唱片公司Factory設計封面,但不久後他認為在曼徹斯特除了Factory之外並無可以伸展創意的地方,於是80年代中決定遷往倫敦,同時展開與Pet Shop Boys長達20多年的合作關係,從此定義了他的唱片設計生涯。

Mark Farrow風格簡單直接、如潔癖般把所有複雜元素剝除,使作品擁有自身完滿的一體感。然而他雖早已聲望極高,並且有意願跨足不同領域,但和其他知名設計相較,全球大型企業客戶卻非常的少。主因或許在於Farrow非常需要與客戶擁有個人化的合作關係,近來最極端的例子便是自1997年起替樂團Spiritualized製作的一系列顛峰之作。

樂團主腦Jason Pierce甚至在合約中要求附註之後每張專輯都需由Mark Farrow來執行,而Farrow也藉由這些作品,將產品設計的概念直接導入包裝中,將長年被認為和黑膠相比,在設計上沉悶無趣的CD形式徹底解放。

圖片來源=Spiritualized

Spiritualized: Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space(1997)
Jason Pierce一句音樂是「靈魂的解藥」,激發Mark Farrow將整個CD包裝成藥盒的形式,由於CD片藏在置放藥片的透明塑料包裝(Blister Pack)內,專輯必須要在藥廠生產加工,還幽默地附上說明書以及聆聽過量會產生副作用的警語。另外為了讓紙盒正面的數字在排版上能夠美觀,Jason Pierce甚至不惜硬是幫整張專輯的時間縮短了幾秒!

圖片來源=Pet Shop Boys

Pet Shop Boys: Miracle(2003)
配合〈Miracle〉這首歌頌自然神奇美好的單曲,Mark Farrow不但將唱片壓成純白,並且在內封套印滿盛開櫻花,透過兩位團員鏤空的半身像從外封套顯露出來。原先設定希望每張唱片也都能散發出香氣,可惜在最後一刻唱片公司打了退堂鼓而無法如願。
 

The Designers Republic

定義90年代數位美學風格.至今仍保有豐沛創作能量

從倫敦到Sheffield大學念哲學的Ian Anderson,在1986年創立了The Designers Republic。Ian Anderson完全沒有受過任何設計訓練,起先是為了替自己擔任經紀工作的樂團節省經費而開始動手設計;早期的作品充滿了破格狂想,銳利大膽的線條、拼貼的圖騰與象徵符號看似沒有任何章法,卡通化用色構圖、狂亂粗野風格,則帶著挑釁般的革命姿態,把20世紀早期蘇聯未來派和構成主義的元素,硬生生扯入20世紀末英美消費文化的互文漩渦內。

這種在個人電腦時代還未真正來臨前的「偽電腦美學」(faux computer aesthetic),藉由與1989年成立,同樣以Sheffield為根據地的音樂廠牌Warp合作,伴隨其中的實驗電子之聲,進一步發展定義了整個90年代的數位美學風格。The Designers Republic在此階段的作品大量使用充滿科技未來感的字型,字母大多皆以銳利直角構成,讓數字、句子和電腦軟體運算產生的破碎影像層層相疊,創造出複雜迷離的深邃空間。

時序進入21世紀後,原本帶有業餘顛覆氣質,自成一格完全不顧同代設計潮流,甚至願意指鹿為馬只為引起騷動的The Designers Republic,看似成熟穩定了下來。慢慢奠定的全球知名度,也陸續累積如Sony、MTV、Coca Cola等大型客戶,並且開始跨足影像製作、服裝設計、商品零售等不同領域。然而隨著規模擴張,卻也開始離創作的根源愈來愈遠,儘管後期許多唱片作品依舊精采,往現代藝術更抽象、極簡的方向走去,但2009年1月,The Designers Republic終於還是因經營不善宣布破產,震動了整個平面設計界。

所幸一年多以後,Ian Anderson藉由設計Warp旗下電子組合Autechre的專輯《Oversteps》獲得重生。回顧其過去25年的歷程,少有創作者能如The Designers Republic般持續前進,在每個階段都帶來完全不同的刺激。而如今已經年過50的Ian Anderson將會開闢出怎樣的全新風景呢?這樣的轉折究竟算不算如他所說的因禍得福?共和國的所有子民們都在拭目以待。

圖片來源=Pop Will Eat Itself

Pop Will Eat Itself: This is the Day(1989)
The Designers Republic和流行舞曲團體Pop Will Eat Itself合作了許多經典,這張帶有核子末日意象的作品,把前面利用Age of Chance所創造的語言更往前推進一步,乍看之下雖然政治色彩濃厚,但明顯只是將其當成娛樂玩弄。

圖片來源=Autechre

Autechre: Incunabula(1993)
Warp時代的重要代表作。與之後幾乎成就The Designers Republic設計風格的電子組合Autechre第一次合作,在首張專輯裡想要表現創世初始時的感覺,但概念卻變得纏繞複雜,因此決定把所有元素打碎,讓不同層面互相交錯相接,與音樂內容亂中有序的風格完美吻合。

圖片來源=Age of Chance

Age of Chance: One Thousand Years Of Trouble(1987)
直接運用冷戰時期政治元素,某種權力象徵的圖騰標誌、側邊的黑白線條以及黃紅主色,留下了強烈的視覺印象。而幾乎要叫人眼盲的一團大混亂,所有樂團喜歡的口號和圖像,彷彿看都不看直接推疊在一起,殘留著龐克氣質的餘韻,成為The Designers Republic早期最受到矚目的設計作品。

圖片來源=Autechre

Autechre: Chiastic Slide(1997)
Ian Anderson表示作品靈感來自紐約的摩天高樓群,它們本身線條組成了幾近於格狀的抽象圖像,封面上的黑色圖形,便是從帝國大廈看過去的布魯克林橋上高塔。這張作品開啟了後來The Designers Republic利用軟體實驗一連串建構、解構的複雜作業,企圖將3D建築激烈地轉換呈現在2D平面上。

圖片來源=Autechre

Autechre: Quaristice(1998)
The Designers Republic結束前的代表作,純粹而且存在感強大的鐵灰色金屬外殼、簡單俐落如同現代主義繪畫的切割和單色漸層變化,有種如Frank Stella雕塑作品的壓倒性魅力。早期沒有的平衡在此全都落實下來,然而細密分散的數字蝕刻,則證明並沒有背離Autechre的現代電子風格,是一件幾近完美的精品。

本文出自《Shopping Design》28期「改變世界的視覺設計」

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VOL.
115
Jun / 2018

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