此篇《DesignBIZ View》專欄發布於《設計新商業 DesignBIZ》 社群報 NO.015 期
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最近打開 IG，每刷三則都是拉斯維加斯球型劇場 MSG Sphere U2 演唱會的影片。這麼大的量體包覆，這麼超出極限值的體驗，像大峽谷一樣的視野，人類的感官變得好貪心啊。
疫情後的實體經驗優先
實體經驗，加上影像建築，為什麼演變至此？因為人終究還是會渴望實體經驗的，比起常被笑稱為 JPG 的 NFT，或需要考慮人體結構和焦距呈現的穿戴式裝置，如何在沒有額外負擔的狀態下感受到人類身體框架限制之外的感受，我想這是必然的追求。而且，疫情之後這種對實體的渴望更多，像是還債一樣，周邊朋友大家瘋狂地衝去演唱會和展覽（笑）。
影像溢出螢幕後，故事由你展開
比對 Bito 這幾年發展，演化進程也是這樣的，從影像出發，影像開始溢出小螢幕，來到了空間後，開展許多的可能性。2020 金點獎首先打破平面的立方體螢幕，加入空間。像是 101 雙融域的「超限門」用到五面投影去延伸空間的透視和風機產生身歷其境的體感，琢磨細膩的視覺。在金馬獎用影像改變建築的材質，數位的光影和真實舞台的光影難以分辨，影像改變了整個頒獎台的空間。再結合故事和互動，到台北燈會那隻從螢幕紙箱跳出來的兔子「Bunny Running」。最近加入觀眾共創，在新北美術館大型的互動聲光展演「Echooo」。
我們發現實體重要，故事也很重要，在這個場域的人更重要，因為雖然巨大的影像創造出新環境，但人是牽動一切發生的核心，是帶領故事、完成故事的角色。 就像在巴黎 Disney 漫威復仇者聯盟園區的 WEB Adventure，觀眾只要坐上蜘蛛人的專屬列車，每個人都可以化身為 spider man，手對著螢幕做出招牌的吐絲動作一起闖關，滿滿聲光體驗，加上身歷其境的身體感，故事就在大家體驗的過程中被記住，讓觀眾還想再次排隊。
要動不要動，一切都是拿捏
但千萬不要覺得，有 LED 螢幕就要物盡其用，盡其所能的讓影像超級炫目刺激。去年去紐約 Time Square，都已全數換上細緻、更亮的 LED 螢幕，每個屏幕都在動，亮到有點刺眼，感覺擺張躺椅就可以做日光浴的程度。美國網球公開賽是一個拿捏很好的案例，我們看到贊助商廣告原本的輸出背板也變成 LED 螢幕。但只在選手進場或有需要時才有 motion graphic 的呈現，其他時候螢幕完全靜止，作為平面輸出物擔當，真正絢麗的焦點是留給選手的，LED 只是一個載體。影像不該動？那就一點都不要動。
影像創作者也有的社會責任
現在數位短影音變成新式數位毒品，讓很多人眼睛超過十小時直接黏著手機。而空間上的影像刺激更是巨大，太多的影像刺激了，就算是最精密的人腦，也像硬碟ㄧ樣有儲存的上限。當代很重要的議題是 visual pollution，這也是影像創作者的社會責任 ，不斷地擴充更極致的呈現，同時也需要不斷地反問。你說未來 2049 浮空投影，像 Cyberpunk 寓言ㄧ樣，充斥每一吋周遭那樣的場景會發生嗎？
我會先問自己這是必要的嗎？會令人感動嗎？
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