1326件展品、12個展區、111首歌，這些數字背後，都藏著不同時代裡與音樂邂逅的故事，「這個展覽講的其實是每一個人的故事，在什麼樣的時代，住在什麼樣的島嶼，發生什麼樣的故事，才有這樣的音樂。」策展人與三位共同策展人：梁浩軒、李明道（Akibo)、馬世芳與五月天瑪莎組成策展團隊，從時代背景裡挖掘小人物故事，藉此走進每個人的時光隧道房間，重遇音樂裡的感動。
例如令人眼睛一亮的時代電器行、早已消失的台灣音樂起點——台北圓環、傳統錄音間、運載音樂人夢想南來北往的台鐵列車......，當中不只慎重考據還原，也以視覺湊手法加添了許多令人動容的魔幻時刻，「唱 我們的歌 流行音樂故事展 MUSIC, ISLAND, STORIES」希望不管誰來到這個展，都能欣賞由音樂所對應的島嶼，感受這一塊土地的魅力。
這次《Shopping Design》特別訪問到四位策展人，深入淺出暢談初衷，細細還原建構這個時代音樂風景的過程。
SD：若一個展覽以「企劃、空間、視覺」作為結構劃分，想請問在這個展中，大家分別提出怎樣的內容想法和策略來回應「 MUSIC, ISLAND, STORIES」這個主題？
馬世芳 ：其實我們並沒有特別將這三件事情區分，當大家聚在一起討論的時候，很快就決定了主架構：不做編年史式的設計動線，而以大主題區分，然後大家一起丟點子，因為對這個主題太有感情，就越聊越興奮，有的太荒唐，有的很不錯，但最後也竟然都實現出來了。
Akibo（李明道） ：討論超級順利，某一個早上，一邊吃著馬世芳帶來他自己烤的鐵鍋麵包，坐在比現在這個還小的桌子上，丟點子，畫啊寫啊，幾乎就已經「想」完了，但要把這個企劃實踐，卻花了整整兩年的時間。
內容是慢慢經營出來的，很難分各自負責了什麼部分。有了整體構想，下一個步驟是組織一個委員會來「選歌」，「歌」是我們的主體，要做成影像、要組織展品，這個實踐的過程很長，但其實，就是我們的故事啊！我們都身歷其中，若不是我們自身經歷，就是我們前輩經歷過，例如台北圓環，我特別去問了文夏老師，他們那個時代都怎麼賣(買)音樂？他們不像現在有線上串流，也沒有CD卡帶，他說，下班時間，就在圓環旁邊唱歌，很多工人下班會圍在他旁邊聽，喜歡的人會跟他買一個小歌本，上面沒有五線譜喔，只有歌詞，買回去自己唱，這樣就是把那個歌帶回家。就因為這個故事，讓我們確定了第一個場景——就是這個圓環。
接下來，是考據工作，我們蒐集很多當時的圓環照片，再加上想像空間作為背景，有時候是一個很大的電影看板，有時是台北七星山、大屯山實景，不斷變化，因為他來自每一個人心裡的故事，而我們以展覽語言呈現出來。
瑪莎 ：聽音樂這件事是很感性的，會喜歡上音樂，一個情感面的衝動，因為被音樂滿足、被音樂啟發，才會想再了解越多，去分析、論述。就這次策展而言，我想的是，要怎麼表達我對流行音樂的尊敬和情感，這份熱情如何放在這個展裡面，讓參觀的人可以感受到這一封我們對流行音樂的情書。
SD：怎麼決定那些歌應該納入這個展覽呢？
馬世芳 ：從1930年代算起到現在，長達90年的時間，就算展覽能放1千首都不夠，就算只放A1也還是放不完，太難取捨了，因此我們邀請學有專精的業界前輩，擔任每一個展區的選歌委員會，針對展區來選代表性的歌，再交由知名製作人王希文擔任音樂總監，重新做了剪輯，最後呈現 111首歌及12段語音導覽。
Akibo（李明道） ：其實很多自己喜歡的歌最後都落選（笑）。
我覺得那個東西就是故事，在不同的年代的音樂當中，找到屬於自己的故事和那個時候的自己，你會在這個展中，感覺到流行音樂在你生命中是很重要的一個部分。—瑪莎
SD：捨棄用編年史邏輯來貫穿展覽內容，各位策展人是否也在哪一些特定的場景中有更深刻的感受？
梁浩軒（Ocean） ：雖然我們不以編年史的邏輯來進行，其實編年史的概念藏在空間下，所以看停留在那個空間多久，可能會大概知道他的年紀（笑）。我自己有感的會是宿舍房間和音樂現場。因為2000年左右，我是大一新生，會在宿舍聽熱狗、周杰倫，那一段時間，最有感的是「成年」這件是，意思是開始自己做選擇了，在宿舍聽MP3、聽〈交大烤香腸〉，那時後也正是音樂載體正在開始轉變，以及我們大量吸收音樂的時間。
瑪莎 ：我也對房間裡年代的變化很有感，因為接觸音樂，都是從自己的房間開始，那是很私密、很個人經驗，每個人對每一首歌都會有不一樣的情感跟故事。身為創作者，有時候是寫自己的故事，但當它落在別人生命歷程，就長出了不同的生命。在那個房間裡，可以感受到不一樣世代的年輕人，在不一樣的生活環境中，接觸到這些歌，得到那些養分，並且長成現在的樣子。
我覺得那個東西就是「故事」，在不同的年代的音樂當中，找到屬於自己的故事和那個時候的自己，你會在這個展中，感覺到流行音樂在你生命中是很重要的一個部分，就算你現在不再聽音樂了，一定也擁有一個很重要的位置，就在那個地方，影響了你一些事情。
Akibo（李明道） ：我們決定用場景來表現台灣流行音樂的生命力，其實就是在講生活，不管哪一個展間，都是當時人的生活累積，包括剛剛講的圓環，每一個場境除了也連結生活以外，也連結背後歷史，以及當時的環境、經濟等議題，才會產生那樣的音樂，所以每個時代也才會有不一樣的音樂。要我選一個展間出來是非常難的，我自己第一個發想出的就是火車，因為我做過林強〈向前走〉，羅大佑〈火車火車〉，台灣流行音樂也跟「南北流動」有很大的關係，很多歌在這講這件事情，因此場景立刻浮現：一列台鐵的藍皮火車，不是新的觀光列車，是面對面坐的那種，窗戶風景根據現實場景，輔以表現主義的呈現。
從最早連設計師都沒有的時代，唱片公司老闆拿著一張照片給印刷廠老闆，自己排一排就發行了，一路演變到現在金曲獎有裝幀設計獎，這個展在講的就是這件事情。 —Akibo（李明道）
有些更年輕的觀眾，可能根本沒有經歷過，要靠這些場景來理解當時的時代，包括外國的觀眾，也會好奇台灣流行音樂是怎樣的情況下產生的？例如大學生的宿舍房間，講的是市場話題，年輕人在那樣的年代聽什麼歌，他的房間長什麼樣子？這是很好的展覽語言，非常適切用在台灣的流行音樂，因為短短時間的轉變很大，環境，歌手所關注的事情改變，工具都在改變，詞曲創作、錄音、封面設計，都隨著工具革命不斷地在改變，從最早連設計師都沒有的時代，唱片公司老闆拿著一張照片給印刷廠老闆，自己排一排就發行了，到現在金曲將有裝幀設計獎，這個展就是在講這件事情，這些故事也是讓台灣流行音樂變成那麼豐富的基礎和原因。
SD：在這個展覽長達兩年艱難的籌備過程中，請和我們分享一兩個考據歷史、蒐證、還原真相的例子？
馬世芳 ：我母親當年在中廣在電台工作，小時候我常去錄音室找她，還錄過故事單元，從母親也有一些老照片中，要還原中廣的logo，1970年代吸音板，盤帶機等設備裝置，最難找的是1960年代後期，就一直在電台大量使用的RCA麥克風，它們早已停產，但是拿現在的麥克風的話，時代感就錯了，我知道中廣還有一批造冊列管的老機器，後來因為要跟央廣調盤帶機，就順便問問，她們查了一下庫存清單，還真的有RCA麥克風，七十年歷史的真品，就這樣加入展場，擺放在錄音室的桌子上。
其實台灣流行音樂的資料不算齊全，網路上能查到的少數資料中，彼此還互相矛盾，錯誤百出，唯一可確定的是去問當事人，但當事人可能也記不清楚了，口述歷史不可盡信，因為大家都會講對自己自己有利的話(笑)， 就要再去找歷史資料，報紙、雜誌，拼湊出整件事情的全貌。整個史觀跟呈現的角度上也要非常小心，有爭議或者沒定論、釐不清楚的，沒經過考證前我們不想直接端出來，這樣過程的拿捏很費心思，主要是Ocean 的團隊在處理每一件展品授權，數量高達 1326件展品，規模之大可想而知。
所有的小細節都一一考證過，原本「時代電器行」，上面有貼字跟電話號碼，後來老師就跟我們說，當時這個字體還沒出現，那個電話號碼，那時候沒有區碼。—梁浩軒(Ocean)
Akibo（李明道） ：像是時代電器行、學生的房間，動員了大大小小搜集資料，記得有一個朋友他家開電器行，很幸運有留下一些彩色照片跟海報，學生的房間也是，就從各個年齡層中去找線索，雖然我們不是要表現歷史古蹟的展覽，主體是音樂，這裡也一點都不能馬虎，時代裡的細節不對就是不對，這個展覽會接受到很多嚴格的考驗。
梁浩軒(Ocean) ：電器行的型號，跟旁邊我們放的音響燈、電風扇，甚至後面貼的海報，這些小細節都一一考證過，原本「時代電器行」上面有貼字跟電話號碼，後來老師就跟我們說，當時這個字體還沒出現，那個電話號碼，那時候沒有區碼，懂得人來看，馬上就會看的懂我們花的工夫，甚至電影院面的招牌，那個要類似手寫的油漆紅字、白漆勾邊。
Akibo（李明道） ：電影我們是以玉成戲院做為藍本，但他們自己也不斷修繕改了很多，所以我們參考了很多照片，要命的是當時的照片是很珍貴的，因此都是以人為主的人物照，往往都剛好把我們想要考據的細節擋住（笑），所以很有趣像是在考古一樣，關於這些場景的重建還原，反而是有趣的過程。
一個高明的展覽，就是用一個小的物件，可以講一件很大的事，一整個時代的故事，這也是挑場景會考慮的事情，一個圓環，講背後一個大時代，那時候人的生活，音樂是怎麼來的，你甚至可以聞到圓環魷魚焿，日料亭的味噌湯的味道，因為他會帶來你很多的想像，你去youtube查，圖書館看文獻，到現場來就是要在很短的時間，啟發你的感受，你回去以後會去查當時其他的音樂，去查日本時代 這個圓環發生了什麼事情，這些就是以小搏大，一個槓桿原理，一個支點可以撐起整個時代，每個場景都是在找這個支點，把背後千千萬萬個事情講出來。
整個史觀跟呈現的角度上也要非常小心，有爭議或者沒定論、釐不清楚的，沒經過考證前不能直接端出來。這樣過程的拿捏很費心思。— 馬世芳
瑪莎 ：錄音室的環境的轉變，最能看出時代的齒輪的滾動，我自己經歷盤帶，到數位興起，大錄音室的式微，到後來大家流行用「宅錄」這件事情，這個展把盤帶機跟control panel 放在一起，相信對任何一個玩音樂的人來說，都是很感動的點。
因為電腦的時代，的確讓很多事情跑得很快，方便當然是必然，就樣你聽音樂、黑膠或錄音帶的那種儀式感，就不見了。當儀式感消失不見，這件事情的重要性就相對降低了，在錄音室裡頭的感覺也是一樣，現在打開電腦，插上電源，軟體打開不管剪接、錄音、都可以直接在上面完成，但他就少了那種真的到了專業錄音室裡，錄音助理要檢查 器材、真空管，擴大機要先開機暖機，連線有沒有sync好，是一個很龐大的工程，不會是你一個人的事，一首五分的歌，也許技術好一點，一小時內錄得完，但前面的準備工作至少要花2到3個小時。
我們重現了錄音室裡曾經很煩躁、等待和準備工作的心情，某程度會開始懷念當時的時光，你會覺得對這個場域環境充滿的敬意，看到這些機器，會覺得就是這些創造了曾經影響你生命很多的音樂，你怎麼樣看待那個場域，就跟你怎麼樣看待自己的工作是一樣的。
SD：從各方商借到的展品，堪稱是時代留給我們的禮物，請分享幾件印象最深的？
梁浩軒(Ocean) ：從三萬件選到一千多件，鳳飛飛的帽子、林志穎的表演服，直接跟他本人界的，林志穎代表的是台灣偶像興起的年代，他們的傳唱度非常高，應該要有一個代表的展品，所以透過管道跟他聯繫上，直接加line，這也是這次做這個展覽很夢幻的一塊，我自己內心的小確幸，與小時候的超級偶像明星因為這個展覽再次相遇，你可能會發現他一樣沒有老，他仍然留在那個位置，而我們長大了。
另外原本還有鄧麗君的一輛加長型的勞斯萊斯，他的家人要從香港運過來借我們，不過由於展品真的太大，因為空間的考量必須心痛取捨。
SD：Ocean 之前有談到過展覽在這個時代被賦予的突破性期待，在這個展中，你心裡面私埋的梗是什麼？以及期待給大眾的最大看點為何？
梁浩軒(Ocean) ：體驗上面的突破，例如這一次使用的感應導覽在台灣比較少人用，不過再過外很多，收斂視覺跟聽覺，使感官同步，跟著重新剪輯的111首音樂，搭配許多動畫師創作的視覺，以同樣的節奏、情緒動線前進，我覺得大家都會不自覺跟著哼唱，身體跟著搖晃，甚至最後感動，眼框紅，這就是我們想要帶給觀眾的，情緒跟感動。
一個真正好的展覽，唯有你進到空間，聽到，看到、聞到，用身體經歷這整件事情，因為你的身體也是跟間互相回應，互動著，可能你沒有被任何一件展品打動，而是透過設計好的音樂路徑，一路走到最後的六樓純白空間，在一顆樹，一架鋼琴旁邊，獲得感動，可能會流淚，回應剛剛問到大眾的最大看點，我覺得「體驗」還是最重要的。
Akibo（李明道） ：這應該是我做過當代藝術展中，受眾最大的一個，這堪稱公民行動的集體意識，涵蓋了所有族群，任何人都很難說他沒有聽過這個展裡面的任何其中一首歌，一定會有跟自己生命經驗連結的內容，來聽的人自己會掉入個人的時空，也會不小心透露年齡(笑)。我自己還蠻期待 這幾年常看到人去展，你會知道某些點是讓人拍照打卡用的，但我覺得音樂這件事，是用聽的，它不是視覺的事情，當然我們有很好的視覺去輔助聽覺，我還是很希望來看的人，是因為聽到很多東西，勾起很多感受，你想知道更多，想在現場感受更多，而不是急著找打卡點，讓人家知道你來，因為回溯自己的生命故事可能都來不及了，也不太會跟別人聊天，因為音樂是很個人的事情。
SD：流行音樂不斷被重新定義，有鑑於當代資訊、工具、載體的多元，門檻下放，流行演變的速度加快很多，因而這個展如何決定更新到哪一年，後續如何更新?
梁浩軒(Ocean) ：近10年到20年的台灣流行音樂，還有許多沒有塵埃落定，還未經過時間認證，還沒有歷史定位，這些我們先不講。但只要回頭看那些曾經發生過的年代歷史中輝煌的段落，就可以非常確定什麼想要納入至個展中。目前我們的斷點到2020年，最新的展品有去年的阿爆在去年得到金曲獎的《母親的舌頭》、今年蛋堡的《家常音樂》，但可以確定的是，未來五年、十年，我們勢必得要不斷重新定義流行音樂，才能反映在當下的年代到底發生了什麼事。
瑪莎 ：而且未來的策展人，一定是新一代的年輕人，用他們的觀點來呈現那時候的音樂，不管怎麼樣，最重要的都還是音樂本身這件事，音樂跟人之間的連結。來看這個展，情感一定會很滿，一個人來看是一種感覺，和別人一起看，又是另一個感覺，兩年三年之後，可能就有不同的新的局面。
Akibo(李明道） ：流行就是一直變動，如果換新的策展人 一定換新的想法，那個時候的工具，一定跟現在不一樣，看展的途徑與媒介、看展形式，或許更挑戰我們的想像，但光在我們的時代，就發生很多工具革命了，不只是音樂，以及做包裝設計的工具，工具革命一定會改變作品的面貌，就像是照相機發明後，印象派、梵谷開始畫寫實以外的東西，在照相機誕生之前，繪畫通常負責寫實，我覺得剛講的工具改變，對老人來講，失去了很多東西，對新創作人來講，就是他的時代啊，再回過頭來講，這個展覽講的就是這件事情，什麼樣的時代，產生什麼樣的歌，住在什麼樣的島嶼，發生什麼樣的故事，才有這樣的音樂。
改變不可怕，那就是我們最大的養分，包括環境，包括工具，因為那影響著包括最終端的接受者聽者，其實我比較老一點，第一次聽到mp3時是不能接受的，覺得怎麼少了那麼多東西？但現在大家都這樣聽了。在我們的時代，幾個畫素都要斤斤計較，但現在數位畫素就這麼小，什麼重要？什麼不重要？當中的價值觀也會改變，主辦單位也會框年份，抓換展的時間，對新的時代作交代。
「唱 我們的歌 流行音樂故事展 MUSIC, ISLAND, STORIES」
地點 ：臺北流行音樂中心 文化館 (台北市南港區市民大道八段99號)
時間 ：10:00~18:00 (每週一定期休館)
【門票與入場須知】
售票資訊：2021/9/8（三）啟售
票價資訊：開館特惠票250元 (一般民眾)
敬老票125元 (六十五歲以上長者)
團體票225元 (團體人數二十人以上)
特惠票225元 (南港、內湖區居民)
※ 門票採OPENTIX網站線上購票
※ 敬老票、特惠票及免票資格者，請於入場時出示有效證件
