演唱會的場地是固定的，但音樂是不斷流動的，新世代的音樂創意展現不管是在曲風運用、影像視覺設計和社群影響上……等各方面都屢屢讓人耳目一新，而隨著科技、體驗的提升，「影像視覺設計」更是一場演唱會功不可沒的關鍵因素，更進而影響並推進了音樂的呈現與演唱會的發展。
我們常將歌手視為男神、女神，然而之所以能被景仰為神級人物，除了藝人自身的實力之外，幕後的執行團隊更是卯足全力地創造神蹟，視覺影像設計團隊「遊樂製品」曾經操刀盧廣仲、安溥、aMEI 等知名歌手的大型演唱會，他們讓一首首動人的歌曲不只是歌曲，更昇華成深刻難忘的回憶。
「遊樂製品」自 2016 年一起創立公司至今已邁入第 7 年，團隊成員有 3 人，分別是擔任客戶窗口、專案管理的 Krish，負責內容創作、美學把關的樂樂，以及開發新技術、科技藝術的品辰，他們三人就像是一個完美的三角組合，彼此專長各不相同卻也缺一不可，為演場會的影像視覺的生態帶來更多令人驚豔的突破。
將音樂化作影像：找到每個人的共鳴
問起遊樂製品，該如何將演唱會的抽象主題化作每個人都能理解的畫面？樂樂舉例 2022 年盧廣仲 14 週年演唱會以「勵志」為主題，在〈一定要相信自己〉這首歌的視覺呈現上，她透過「爬山」的意象表達情緒，因為爬山時的日出、日落是大部分人都曾有過的記憶，觀眾一眼就能產生「共感」，每個人都有自己那份感動。
除了找到與觀眾的情感連結以外，分析歌手和歌曲也會是製作前期需要一併思考的，樂樂說到：「像是〈肌肉的記憶〉比較不是廣仲以前的曲風，所以我會想用不同與以前的方式呈現。」因此她抽取「肌肉」的概念，並將神經元、肌肉線條抽象化後，以視覺符號的方式呈現在舞台上，拆解後再用新的方式重組，肌肉經雷射喚醒後開始跟著節拍收縮，對應著音樂的收放、燈光的閃爍，將影像最大化，呈現出嘉年華般的氛圍。
新不一定最好，重點是取得合理性及平衡
隨著硬軟體的提升，讓演唱會得以與時俱進地呈現更新穎的視、聽覺體驗，然而負責技術面的品辰並不盲目地追隨新潮：「其實創作媒材只是一種應用手法，重點是如何藉此達到影像視覺、道具應用和台上台下之間互動的『平衡』，新的技術、媒材其實一直都在發生，但要怎麼揉合到表演比較適合、不會本末倒置才是重點。」
舉例 2019 年盧廣仲的演唱會中這首〈最寂寞的時候〉是情緒比較內斂的歌，廣仲手上拿的「煙傘」道具裝置便是要呈現出傘中下雨、外面晴天的畫面，透過燈光的冷暖顏色表達不同的心情，搭配乾冰的迷幻效果，塑造出詩意般的美感，品辰分享以上的道具都不是新花樣，但都很適合、效果也很好。
使用技術的前提是，當設計的「合理性」已被建立之下才能被去使用，例如 2021 年底高流第一場收費演唱會，為盧廣仲《勵志論》的演出，也是他第一次拿掉眼鏡的演出，「因為勵志論可以連結到偉人跟頭像這兩件事，因此以視覺展現『人頭』是有合理性的。」品辰運用頭部建模和臉部跟踪技術，去創造一個廣仲的偉人頭像，將千變萬化的廣仲（眼鏡）呈現在觀眾面前，也剛好現場舞台有 3 大塊的長方形立方體可以支持這樣的視覺設計，一切都是環環相扣。
創作不需迎合，新世代渴望「深刻的體驗」
不打造明星架勢，新世代歌手重視「創作共鳴」
Krish 認為從歌手的角度來看，以前的藝人相對較重視「塑造個人形象」，而現在的藝人則是較專注在「音樂的重新理解」，除了在情緒堆疊、複雜度上更加要求，也希望音樂能夠提供「儀式感」，透過音樂結合時下的議題，創作出自己和聽眾之間的共鳴。
新世代聽眾嚮往純粹的體驗
品辰則認為從聽眾的角度來看，新世代的受眾更加注重「體驗」，希望能透過一場演唱會或展演，獲得「 絕對的觀點 」和「 深刻的記憶 」，在他們紛亂的腦袋中留下一些深刻的東西，品辰有感地說：「新世代 00 後的年輕聽眾，由於生活在資訊爆棚的數位時代，線上體驗讓人能擁有更多元觀點、卻每樣都不夠深刻，因此他們更嚮往安靜、專注且深刻的感受，進到演唱會的空間裡，反而是他們能夠阻斷外界資訊的方式。」他和 Krish 也一致同感，身為影像視覺設計者或是各領域的創作者，不需要刻意迎合聽眾喜好，反而要創造觀點以及共感的極大值。
新世代的音樂關鍵字：創造共感
在「沉浸式體驗」為主流的新世代，不管是餐廳、展覽等各領域都朝此需求發展，問起遊樂製品對於一詞的想法，他們說道，其實展演、演場會本身就是具有「沉浸式體驗」的場所，沉浸式的關鍵就是要「將虛構成真」，透過歌手成熟的表演、燈光和影像的流動催化情緒，打造儀式感和共感；品辰說道，他認為重點不是沉浸式，而是對於「受眾」和「場域」來說怎樣的呈現最適合，最終體驗的部分還是要回歸到觀眾身上。
在疫情的影響之下，創造共感又是另一大挑戰：「新世代的演唱會展現上有很多的可能性和創新變化，例如透過社群媒體與觀眾進行互動式演出、或是以異地共演創造共感。」Krish 提到，遊樂製品在 2018 年曾操刀林俊傑《偉大的渺小》線上新歌演唱會的多媒體視覺設計，以單一視角的運鏡操作打造臨場感，但對此 Krish 也有更深一層的看法 ：「不管是沉浸式體驗或是演唱會，現場跟線上絕對是截然不同的感受和設計模式，不只是將線下的演出硬復刻到線上，必須跳脫既有框架、在線上從零長出來，因為線下的『體驗』是沒辦法復刻的，不管是什麼新的技術、模式，都要對應到相符的內容才能發揮最大價值。」
在最後訪問階段，Krish 真誠地分享：「如果不是因為專訪，我們不會把這些事情拿出來講，因為這些其實都是製作前期滿內心層面的思考。」面對新世代、新技術、新歌曲，遊樂製品團隊們像水一樣的靈活應變，順應著世代的演進，唯一不變的是他們不斷地找尋並創造與台上歌手、台下觀眾的共感，持續透過影像視覺設計讓每段音樂和情感得以被好好安放。
