格式設計展策自創立以來，先後操刀過各式類型展覽，包含 2020 桃園文創博覽會《走桃花》的整體空間策略，以及榮獲 2020 年日本設計獎項 GOOD DESIGN AWARD 的《去你的南極 GO！GO！South Pole》特展，就連近期備受討論的《想你到月球 張雨生特展》也是出自他們之手。
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比起將策展當作一個傳播媒介，格子更傾向於將它視為一個思考路徑——先思考想要傳遞的訊息，再回到策展的脈絡裡去尋找答案。他運用這樣的形式，去呈現具有發展潛力的事物與觀點，把整個展覽規劃成一連串有脈絡、有系統的推導過程，讓參與者能夠擁有更深刻、更直覺、更便利的體驗和感受。
王耀邦 / 格式設計展策 總監
王耀邦（格子）在 2014 年創立了格式設計展策。建築出身的格子，以策展為核心進行設計與策略規劃，他兼備理性面的策略思考脈絡，以及感性面的創意創新，為格式設計的策展成果帶來更多的彈性與創造力。
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策展所需的理性與感性
Shopping Design（以下簡稱 SD）：如果從策展人的視角來看，通常在展開策展之前，會進行哪些策略性思考？
王耀邦（以下簡稱 格子）：策展通常都會伴隨著一個「題目」，通常我會把它當成是一個拆解方程式的過程。
第一個步驟是 Where we are？（我們身處何處？），找出這個題目的時間和地緣的脈絡為何？以及與該題目有關的時間、空間又是什麼？藉此作為延伸的基礎。
再來是 Identity（身份），策展人需要客觀分析並理解自身所處的狀態，而這通常可以從題目中找到答案。其實題目內藏有很多線索，它暗示了我們所要賦予這個展覽的形狀及定義。因此，解構題目、從題目中汲取我們所要轉譯的元素，對於策展人來說相當重要。
最後一步是 Representation（再現），也就是運用各種方法去呈現內容。比如說 Podcast、文本、視覺、空間等，透過這些媒材可以更好地去呈現策展人所要建構的議題，因此它也是一個很好的檢查方式：不管提供參與者什麼樣的閱聽方法，都要回頭審視這樣的方法是否回應題目本身。
SD：策展是一種什麼樣的思考方式？這樣的思考方式可以如何練習？
格子：策展人一開始要盡可能地去擁抱各種不一樣的事物，因為策展除了是種策略方法，它也是種日常的積累——策展是關於我們如何去重新排列、組合那些彼此看起來沒有關聯，甚至是結構鬆散的事物，並藉策展的方式重新編整，最終產生出一個新的圖像。
以《想你到月球 張雨生特展》為例，即便在世不過短短三十多年，張雨生卻留下很多經典歌曲和文化產物，在電視、網路等各種管道，都能找到關於他的痕跡。但這些文物在「被策展」之前，其實就像是散落在宇宙的星圖，而我們要把它編織成一個星座。我們需要重新將這些事物排列組合，賦予它們新的起承轉合，讓參與者能透過新的方式，去觀看、去理解我們想要傳遞的訊息。
SD：感性層面來說，策展的創意跟創新是從何而來？
格子：其實從日常生活裡都能找到練習方法，我常跟朋友開玩笑說，不如就先從「下班後，走一條新的路回家」開始，這是個讓我們從一成不變的生活裡，找到一點點小驚喜的簡單方式。
策展是在組合很多並不是由策展人自己發明的東西，我們只是將它們重新排列，這概念就像是「料理」，使用同樣的五個食材，每個人都會端出不一樣的成品，所以策展工作者平常要去累積的，是對於風味的理解、對於酸甜苦辣鹹鮮的想像、各種營養來源的基礎知識，這些積累能讓我們在面對創意之前，更有餘裕地去解構、重組事物。
《想你到月球 張雨生特展》登月前的思考脈絡
SD：除了 25 週年的思念意涵之外，在這個時間點舉辦張雨生特展，背後的思考與不可取代性是什麼？
格子：有很多客觀原因讓這個展覽被產生，首先，它是台北流行音樂中心（以下簡稱北流）近期很重要的一場自製規劃展演。北流在台灣算是一個特別的單位，因為台灣鮮少以流行音樂作為主體，有脈絡地持續耕耘，而現在的北流就肩負著這個角色。
再來，透過「人物」串聯群眾，對於一個特展而言是很重要的。張雨生是某個世代台灣人的共同記憶，他的形象是一個非常年輕的大男孩，並不八股，也不老成，直到現在還有好多人在唱他的歌，張雨生的許多歌曲在 KTV 排行榜中至今仍然榜上有名。這也是為什麼即使他已逝世二十五週年，不管老少來到這個展場，同樣還是能夠產生共鳴。
第三，就是「事件」。除了張雨生膾炙人口的經典作品與鮮明的人物形象之外，那個年代也是奠定台灣流行音樂文化產業的重要時期，發生了相當多值得回顧的大事件，像是老三台、綜藝節目、流行文化產業之間的關聯，或是從偶像發展成創作歌手的多面向歷程，這些都是很容易可以讓參與者透過一場展覽去感受到的內容。
SD：如果以張雨生特展為例，你們採取了什麼方法去創造「共感」？
格子：體驗的設計，往往是從主視覺開始。在尚未進入展間的時候，就能從主視覺中看到，一個太空人手上拿著一捲錄音帶，彷彿在邀請你一同進入宇宙。
當觀展者進到《想你到月球 張雨生特展》的現場，第一件事情便是領取卡帶機和一捲錄音帶，這兩者其實都是台灣 80、90 年代很重要的音樂載體，我們透過這樣的物件來創造時空交錯的共感，而這些物件也挾帶了「音樂」與「年代」的暗示及呼喚。除此之外，「展場」方面也透過空間與符號營造體驗，例如我們模擬了太空艙內部的幽暗光線，讓人有電影《2011 太空漫遊》的既視感。
由於展覽的主題是「音樂」，在整個觀展的過程中，參與者都是戴著耳機、聽著音樂在逛展，這明顯和其他的觀展經驗都不一樣，我們藉此引導參與者進入張雨生的音樂裡。我們甚至設計了一個區域，讓大家可以舒適地坐在宇宙膠囊裡聆聽歌曲。
當觀展者來到這個「躺下來」聽音樂的空間，可以不疾不徐地待著，以最舒適的方式與這些音樂產生互動。當我們在設計這個展間時，最核心的思考是：如何讓人長時間停留？我想，這大概是非常多展覽無法達成的事，但是，流行音樂是需要時間的。
如果空間能完成令參與者感到放鬆的使命，把其他外在干擾降到最低，音樂本身就得以變得立體。所以，這些都是我們在設定這個空間的質性，或是暗示參與者的身體動作之前，所需要先確認的事情，而這所有的一切都是為了要讓大家感受到音樂的魅力。
將商業性作為策展的驗算方法
SD：你認為文化藝術策展和商業策展之間有所區分嗎？你如何看待策展中的商業性？
格子：我覺得兩者思考的方法是殊途同歸的，因為它們都具有目的性。
同時我也認為，商業對策展而言是最重要的。因為當你要向大眾訴說，策展現在其實是一門顯學、一個便利的工具，或是一個強大的傳播媒介，那就必須透過消費與市場來驗證：它是否真的如你所說的那樣美妙？會不會只是一群文青的隨風起舞？或是同溫層的狂歡？
如果「策展」這個方式，可以在資本主義社會之中過關，那它已經有很大的說服力，代表它能夠乘載自身所背負的期待，同時也千真萬確地具備影響力。
SD：你如何看待台灣近幾年策展生態的變化？
格子：就我而言，我覺得策展的市場需求提高了，策展成為一種專業、一項工作範疇，它可以換取酬勞，也具有效率評估的標準，甚至成為一個獎項頒發的項目。
電影有影展、咖啡有咖啡展、建材有建材展——只要有事物需要被展示、被敘述，就是策展可以切入的機會。
所以我想，以後會有幾個變化，第一個是，策展會成為一門學科，它會成為通識教育的其中一項，不管你是不是設計相關領域，策展都能作為幫助你培養思考脈絡的方法。再來是，策展可以被投射、被應用的範圍將會變得更廣，會有更多的人開始嘗試策展，進而理解策展。
策展作為當代溝通的工具，它可以是實踐商業價值的方式，也可以是打開對話空間、刺激感受、啟發行動的載體。策展遍地開花，它是否能呼應時代與群眾的期待？答案或許並不在遙遠的未來，而是正發生在你我身邊。