彭冠傑Jay Guan-Jie Peng
POM（Project On Museum）負責人及藝術指導，專注於品牌及視覺識別設計，並致力追求專案實務性與實驗性之平衡。近年獲獎包含iF設計獎、日本東京字體指導俱樂部獎、金點設計獎、亞洲最具影響力設計奬、澳門設計雙年展等。亦曾擔任金曲獎(裝幀設計類)、金點概念設計獎、金點新秀設計獎等獎項之評審。
這次《Shopping Design》 9月號特裝版，邀請成軍五年的POM（Project On Museum）主理人Jay彭冠傑設計「限量特裝版」，並藉此展開藝術主題的討論。設計師、藝術家，看似不同身份之間的旋轉門，在藝術領域，知識、工具門檻漸漸拆除後，不論在詮釋或展演上，都有更多空間。POM以洗鍊、強烈、有趣等關鍵字緊扣著玩興高昂的創作核心，「如果硬要說風格的話，我們比較容易被一些好玩、有挑戰的事吸引，然後去拿捏近乎不可能的平衡感。」這次以「（Art）未來藝界：您的藝術家已經上線」為文本，建構一層虛構介面，並借喻數位世代成為「藝術品」的過程，而往前倒帶，亦不失其觀看之樂趣。
這次的主題是「（Art）藝界未來：您的藝術家已經上線」，你用怎樣的概念來表現？
本次「限量特裝版」設計呼應主題，希望能把9月號的《Shopping Design》 打造成一件「被閱讀者收藏的作品」。整體而言，我們希望完成一件能反映當代情況的作品。《Shopping Design》雜誌紙本 ( 可視為「實」) 收錄了各類型藝術家的媒介(可將內容文本視為「虛」)，置放於硬體盒裝之中(盒裝亦為「實」)，但因其材質特性又成為視覺上的「虛」，這件作品將使虛、實不斷連接並相互堆疊，提示在當代數位環境的快速演進下，載體、作品、媒介的界線已日趨模糊、無從分野，唯一可以確定的是人們將在此虛實交錯的介面中讀取到難以想像的未來。
有虛有實，交錯其中，數位藝術以及實體世界之間的媒介就是雜誌，本期特裝版成為了一份擁有流水編號、收藏價值被強調，像藝術作品般存在的特殊案例。
在整體構成上，有哪些特別的設計和工序？
裝幀執行首先以5mm透明有機玻璃 (即俗稱之壓克力) 製成外盒，其表面部分區域以網版技術印製圖稿，雜誌實體收在盒中。此透明外盒表層猶如串接虛實的介面，和其中的雜誌封面堆疊呼應。我們想藉此介面詮釋「上線」這個概念，讓讀者的感受如同「登入這本雜誌」並進入另個次元及時空想像。同時，盒內會附上一張作品收藏卡，卡片上標示限量製作編號 ( 總數為100 份 )，以此與「特裝版」原設定、藝術品收藏等意義連結，使消費者的體驗如同入手了一份透過線上購入的藝術品，此行為體驗也正是當前藝術品NFT趨勢的一部分。
對於這一兩年很紅的NFT加密藝術有什麼觀察？
近期NFT加密藝術很紅，亦成為藝術家和設計師增加收益之途徑，過往的3D創作者、影像導演，都陸續切換身份上線成為數位藝術家，身份的突然轉換這件事很有趣，也很具有當代意義——每個人都有可能是下一個Beeple。不過也有些創作者或藏家對此相對保守，呈現觀望狀態。加密藝術是透過虛擬貨幣進行交易，虛擬貨幣在概念上跟買賣股票很像，使用者需先下載app，接著登入連動金流後進行買賣，但目前暸解虛擬貨幣及NFT交易的人還相對少，且此類交易也有一定程度之風險，導致侷限性產生。
我前陣子研究了創下NFT拍賣紀錄的藝術家Beeple，發現他在成交後，將他的數位作品印出來裝裱，裝在一個實體的盒子裡寄給買家。他創作的是數位藝術，卻又回到實體以象徵手法處理而成為現實世界的藏品，我預想這是增加收藏價值感的方法，因而催生了執行本次限量特裝版的靈感。
三年前POM有一個十年展，當時講「直覺」，三年後的現在是否有新的主題？
「直覺」還是不變的關鍵字，它仍然幫我解決許多專案的問題——客戶買單的選項，常常是最開始想到的那一個，這很值得細細探究。我認為每個人都有直覺，只是展現在不同領域。有的人對文字敏銳，有的人對圖像擅長，有些人則是對音樂感受強烈，那是一種在意識和潛意識中統整、質化的能力。像我就是對圖像有較多感受的那類人，也經常將自己的直覺應用於企劃及設計工作的產出。要啟動我在此所稱及定義的「直覺」，須經一定時間的經驗累積和轉化練習，建議還在摸索的人，可以先不用卡在這個概念上，持續嘗試就能逐漸體會。
從平面的文字符號，進階到空間的服務，對POM來說設計上更大的挑戰為何？
我們是從設計海報、包裝、標誌開始執業，但當任務進階為打造整個空間環境識別時，設計思維就不能只停留於印刷品上，而是要考量「真實使用者的體驗情境」，使環境圖像能被統整並結合其他感官體驗提供給消費者。從平面的文字、符號到空間中的完整服務流程，設計師必須思考人們會站在怎樣的距離以什麼樣的形式體驗內容，進而產出空間形象、指標設計、動態視覺等不同應用，我想這當中最大關鍵是「消費者身份、狀態以及體驗需求」。例如給孩童或成年人觀看的圖像需求就不太一樣，若爸媽帶著小孩在同一個空間消費，其年齡、身高、視線高度、族群喜好等因素都會導致體驗需求不同，這也成為設計師統整環境時的一大挑戰。以POM而言，我們一開始是用平面視覺的邏輯去「長」出空間的設計，目前正在努力學習運用立體、空間的思維「蓋」出平面的設計。
來聊聊由POM延伸出來的另一個品牌「the MEDIAN」
我的partner、POM成員之一Stella在去年成為瑜伽老師，她從小學習舞蹈，對肢體運用有很高的天份和興趣，加上前年我們受藝術家梅田宏明及teamLab的作品震撼，對數位影像藝術這件事有了更多想像。我們從那時開始思考以瑜伽結合設計本業，後來決定試著創造一種沈浸式的瑜珈課程，由Stella教授瑜珈作為內容主體，我創作動態影像作為空間視覺，同時搭配聲音、氣味等，以實驗的形式幫助學員學習肌肉的運用及體驗能量在空間中的流動。
「MEDIAN」這個字的釋義是「中位數」，也代表著中間的平衡點，我們希望能帶領來參加體驗的學員們在身、心方面皆能逐漸回歸平靜、達成平衡。從身體的應用出發，結合影像藝術，有時搭配大家既定印象之外的音樂，例如：Hiphop、電子、Techno等不同曲風來做瑜伽，嘗試一些好玩破格的可能性。前陣子我們和台灣Finger Drumming代表人物，來自顏社的PUZZLEMAN合作，以瑜珈、影像結合他擅長的Lofi Hip-Hop曲風，創造出「Dream Yoga」這個特別企劃，是個蠻有趣的實驗。
十多年的流程經驗，建立哪些系統，讓資訊處理更快，設計產出更流暢？
不同專案會有不同解法，但邏輯上是大致相同的，通常案件成立後，我們會分成四個階段：第一階段是客戶諮詢與行政流程；第二則是蒐集並分析資料、組織人力、設計概念發展、聯繫硬體廠商等。通常我會負責完整統籌及初步設計發展，像是Logo和各式形象的初稿，帶領同事想像專案可能的樣貌；第三階段是設計發展，團隊將前一階段成形的概念延伸出整體視覺系統，包括動、靜態視覺與各類應用；第四則是設計完成後，開始發包製作、作品紀錄、媒體露出效應回收與檢討等。
你認為比技術更重要的是什麼？
我認為是個人邏輯的建立，這是可以學習並持續優化的。對我而言，設計是很需要企劃能力的工作，從初始思考邏輯建立，企劃生成到設計概念發展以及對客戶、消費者溝通的考量，都需要設計師建立起一套自有的邏輯。我在教課時常跟學生說：「好的設計師應該不能只是很會使用軟體」，除了技術的追求，設計師是否能藉由清楚的邏輯架構，明確回應客戶提出的挑戰，並妥善解釋使方案被買單，是專案運作成功與否的關鍵。
在我們的經驗中，有些業主所面臨的問題，是商品有沒有話題、如何提升銷售量等市場與行銷面的考量，反而不是設計語彙的美感。要回應客戶的提問，就要試著站在他們的角度觀察。此類挑戰出現時，我和同事會先蒐集大量資訊，接著不斷向客戶提問以獲取他們對市場的洞察、對消費者行為的想像及銷售期待等，透過這個過程，我們其實是在向業主學習，藉此建立設計邏輯並琢磨出最適當的方案。
此外，「世界上沒有一次執行就保證解決問題的案子」，通常會和客戶雙方經歷數次合作、討論，不斷修正以找出精準方向。就算沒有一次命中，也會在嘗試中發現關於「設計」和「人」的各種有趣可能，這些企劃和提案，都是可以延伸出續集的。往往我們和客戶長期合作下來，關係會變得有點像朋友，沒有合作時也保持聯繫、分享近況，我想這些都是比技術更重要的事。
