若要為近年策展趨勢下幾個關鍵字，那麼「#體驗設計」、「#沉浸式」想必名列其中。然而，在居家時間不斷增長、線上策展蔚為風潮的此時此刻，為何實體展覽中的體驗設計如此重要？實體展覽又能如何藉由細膩的體驗設計，為觀眾帶來超越線上展覽的身體經驗呢？關於這些問題，讓曾操刀臺北流行音樂中心「唱 我們的歌：流行音樂故事展」、「玩具解剖展」等人氣展覽的INCEPTION 啟藝執行長／策展人梁浩軒，為我們一一解答！
以策展創造「不正常」的感官體驗
「舉辦實體展覽，其實就是在跟其他事情競爭觀眾的時間。」在採訪之初，梁浩軒便如此一語道出策劃實體展覽的挑戰。正如所有的廣告、媒體、社群不斷競奪人們在網路世界裡的注意力，實體活動也不斷和線上、線下的各式娛樂爭奪觀眾的時間。也因此，對於梁浩軒而言，線上、線下展覽並非此消彼長的兩條曲線，而是相互刺激、帶動的兩種形式。
「實體展覽的迷人之處，在於人們更能沉浸其中、用身體參與。而當人們只要待在家中，就能獲得很好的線上娛樂時，他們也會期待在真實世界裡，得到更有趣的體驗。」正因為網路世界供給了源源不絕、五光十色的展覽、娛樂，實體展覽更需有著線上展覽無可替代、勢必得由身體參與的體驗，才能吸引觀眾走出門去。也因為這樣，「很多線上展覽其實是在創造真實的虛擬世界，線下展覽則是在創造虛擬的真實世界。前者像是讓人們置身家中，卻能運用虛擬科技，彷彿在沙漠中行走；後者則可能是引導觀眾走進投影出的蓊鬱森林中。這兩者其實都是在讓觀眾經歷一場不這麼『正常』的感官體驗，讓觀眾覺得更有趣、更刺激。」
不只透過雙眼，更是用身體觀看
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這樣的情形，對於追新務奇的觀眾來說或許是個福音，對於策展人而言，卻是時代給的嚴峻挑戰。事實上，如何創造有趣卻不致讓觀眾眼花繚亂、無所適從的展覽體驗，極度考驗策展人的企劃力，「好的展覽不能像書或雜誌般承載這麼多圖文，而應該像是繪本用符號講故事般，利用空間中的視覺、聲音、聽覺元素來敘述。所謂『看展覽』不是用眼睛看，而是用身體看。」
梁浩軒也補充，就像所有行銷活動都必須確立目標群眾，策展人想從各種身體感官著手，創造出好的體驗時，也必須了解自己的觀眾群，並且「以第一人稱來思考觀眾是誰」。以台北市政府文化局主辦的「唱 我們的歌：流行音樂故事展」為例，這檔展覽講述著從1930年到2020年的流行音樂史，梁浩軒在策劃時便尋思觀眾輪廓，將自己帶入觀眾的身份裡，設想自己可能在哪些區域停留比較久、會對哪些事情產生共鳴。
彷彿吉他效果器，用體驗引起共鳴
舉例而言，對於中壯年觀眾而言，用錄音機、隨身聽聽音樂、傍晚守在電視機前緊追歌唱節目賽況的時光會是心中最有共感的那一塊，也因為相信上述情境能引起觀眾共鳴，梁浩軒選擇不單以文字敘述或讓音樂流瀉，而是透過場景重現的方式，打造出「時代電器行」展區，並在展區電視牆上播放流行音樂影像，讓觀眾彷彿搭乘時光機般回到記憶中的場景裡。
而在「火車火車」展區裡，雖然述說的是民歌時代的音樂故事，團隊卻創造出彷彿火車車廂的場景，暗喻著民歌時代歌手搭乘火車來台北的時代背景，也勾起許多觀眾年輕時從中南部到台北討生活的青澀回憶。
「畢竟，策展就像是能調整聲調的電吉他效果器，讓我們不只是平鋪直述展覽內容，而是透過不同的體驗形式，讓原本的內容引起觀眾共鳴、變得更有吸引力。」梁浩軒如此比喻，也為我們這個時代裡，策展的體驗設計一錘定音。
